Rock+Evolution=REVOLUTION
Sono trascorsi 50 anni da quando il mondo ha perso colui che viene ritenuto il più grande chitarrista di tutti i tempi e, con Elvis Presley e i Beatles, una delle più grandi icone pop degli anni ’60. Hendrix fu davvero uno straordinario musicista, forse il primo grande chitarrista nell’intera storia della musica che ne rivoluzionò il suono.
Nato a Seattle il 27 novembre 1942, Jimi Hendrix dal punto di vista strettamente tecnico ebbe il merito di aprire nuovi orizzonti al suono della chitarra elettrica, strumento per eccellenza della musica rock. Il suo stile resta unico nella storia della musica moderna, tanto da ritrovarsi sistematicamente in testa a tutti i sondaggi dei critici musicali di tutto il mondo, e al primo posto nella classifica dei 100 migliori chitarristi della rivista Rolling Stone, superando Jimmy Page e Eric Clapton. La sua caratura come chitarrista è paragonabile a quella del genio di Mozart nella musica classica e a quella del leader dei leader della musica Jazz, Miles Davis.
Cominciò a suonare la chitarra a undici anni e a sedici lasciò la scuola per darsi al vagabondaggio. Incominciò a guadagnarsi da vivere suonando in piccole band di rhythm and blues e di rock and roll. Si racconta che agli inizi – come molti chitarristi poveri del blues agli inizi della loro carriera – realizzò una sorta di cordofono con una scatola di sigari alla quale unì un elastico. Il primo approccio con gli strumenti musicali avvenne con una chitarra per destri – sebbene fosse mancino – che imparò a suonare in maniera rapida capovolgendola e rivelando da subito quella dote su cui fondò tutta la sua carriera. Virtuosismo e sperimentazione trovarono in Hendrix un’espressione mai osata prima, in cui confluirono tecnologie elettriche, amplificazione e improvvisazione, rock, blues e jazz. La sua tecnica arrivò ovunque, con corde più spesse per dare un suono più intenso e ricco, e sfruttò tutti gli effetti sonori (distorsioni, delay, wah-wah), per espandere il suo inconfondibile sound lungo scale inesplorate alla ricerca del suono perfetto. Tutta la gestualità della mano, del braccio, persino della bocca, divennero funzionali ai nuovi suoni alla chitarra: suonò con l’intero palmo della mano, con i denti, con il gomito, persino con l’asta del microfono pur di piegare le note al suo volere, con performance ed effetti inediti e strabilianti.
Jimi Hendrix venne trovato morto il 18 settembre 1970 in un appartamento in Germania che aveva affittato per il live del 6 settembre al Festival di Fehmarn. Sebbene la vita artistica dell’icona del rock si sia consumata in soli 4 anni, una delle più brevi che si ricordino, la sua straordinaria intensità – con ben tre album in studio, due album live, dodici singoli e addirittura due raccolte – la rende una delle più famose della storia della musica. Sono stati pubblicati addirittura undici album postumi, tra raccolte e progetti che Hendrix aveva in programma per la sua carriera. Jimi Hendrix è stato introdotto nella Rock and Roll Hall of Fame nel 1992.
Sembrava che ormai la musica che fino alla metà degli anni ’80 si poteva ascoltare per lo più attraverso il nastro magnetico delle musicassette e i dischi in vinili, fosse bella e sepolta. L’ascolto della musica pareva essersi incanalato in quel percorso irreversibile che avrebbe consentito, nell’arco di pochi anni, a ognuno di noi di fruirne attraverso molteplici dispositivi elettronici che con estrema semplicità troviamo in commercio. Negli ultimi 35 anni siamo passati dai compact disc (CD) al formato audio compresso MP3, fino all’ascolto e all’acquisto su Internet. Vero anche che la diffusione del formato digitale ha favorito, di conseguenza, lo spirito di condivisione e pubblicizzazione della musica, trasformando il nostro tempo libero in una dimensione che oggi definiamo social. Si può però intuire come il cambiamento della modalità di riproduzione e condivisione della musica abbia ridotto drasticamente il numero di negozi musicali, consentendo agli store online di prendere il sopravvento. Basti pensare che diverse piattaforme, come ITUNES, Spotify e YouTube, consentono di acquistare musica o di usufruirne gratuitamente direttamente dal proprio smartphone. Molti, soprattutto i giovani, credono che le componenti audio dei cellulari siano di alta qualità senza rendersi conto che sono strumenti di livello inferiore che riproducono musica a bassa definizione. Ed ecco che la comodità di avere migliaia di brani nello smartphone o nel minuscolo lettore mp3 sempre a portata di mano, con la facilità di trovare ed ascoltare qualsiasi canzone ci passi per la testa, ci sta tutto sommato annoiando… forse abbiamo bisogno di tornare al passato e alla sua materialità. Certo, il vinile non è l’ideale per gli appassionati di alta fedeltà o i fruitori assidui di generi musicali che richiedono un livello di dettaglio sonoro assoluto.
Ogni espressione artistica riflette o risponde ai contesti storici, sociali e culturali in cui viene generata. Capita poi che alcune opere siano palesemente concepite come proteste sociali e che assumano chiare posizioni politiche. La musica, in particolare, ha una lunga eredità in tal senso ed è stata spesso uno straordinario strumento di analisi e di denuncia dei momenti critici della storia o di aberrazioni sociali. In Italia, ad esempio, la musica di protesta ha fatto da colonna sonora a cinquant’anni di cambiamenti ideologici, culturali e sociali del nostro paese, sebbene quella vocazione nata dalle ceneri del dopoguerra e assai fertile tra anni ’60 e ’70 oggi sembra essersi un po’ sopita tra la memoria di canti partigiani e la riproposizione di classici, ma un po’ datati, di vecchi cantautori. In America la musica di protesta –da Dylan a Seeger, da The Fugs ai Jefferson Airplane e tutta la musica di “protesta nera” – ha sostenuto periodi cruciali e ha motivato generazioni intere a combattere per il cambiamento. I recenti omicidi di George Floyd, Breonna Taylor e un numero sconcertante di altri neri americani hanno scatenato l’inevitabile resa dei conti con il razzismo così impunemente strutturale a molti sistemi legali e politici del paese. Ma non solo in America, il mondo intero ha reagito a quegli episodi con indignazione e proteste antirazziste tra le più corali e consapevoli della recente memoria collettiva, manifestando solidarietà con il movimento Black Lives Matter e chiedendo ai governi di porre fine alla brutalità della polizia e al razzismo istituzionale. 
Questo attivismo, insieme all’attuale pandemia, ha spronato molti artisti neri a pubblicare nuova musica sulla tragicità del momento storico, con inviti diretti a sostenere il movimento Black Lives Matter, i diritti all’eguaglianza e il rispetto per la dignità dell’uomo. E’ il caso, ad esempio, di Anderson .Paak che ha lanciato una nuova canzone intitolata “Lockdown”, un brano funk, hip-hop e R&B. Il giorno prima dell’uscita del brano, Paak ha rilasciato un video musicale in cui lui e i suoi compagni attivisti tra tristezza, solitudine e frustrazione, pianificano strategie per future proteste, si ricordano a vicenda di indossare mascherine e si sostengono l’un l’altro, sia fisicamente che emotivamente.
Della gioia rinviata: concerti annullati e riprogrammati, ovvero dal ticket al voucher. 